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 Daffe, 30 anni spritzino di Montegrotto Terme CHE FACCIO? Laurea Dams, Attore-Regista-Autore Sono single 
[ SONO OFFLINE ] [ PROFILONE ] [ SCRIVIMI ]  STO LEGGENDO Shakespeare, Ibsen, Brecht, Pirandello, Cechov, Sternheim... tutto ciò che è teatro... tutto ciò che crea emozione HO VISTO Ho visto cose...che voi umani non potete nemmeno immaginare! STO ASCOLTANDO Quello che mi va... ABBIGLIAMENTO del GIORNO A caso ORA VORREI TANTO... STO STUDIANDO... OGGI IL MIO UMORE E'... ORA VORREI TANTO... ORA VORREI TANTO... ORA VORREI TANTO... PARANOIE Nessuna scelta effettuata MERAVIGLIE Nessuna scelta effettuata |
Thursday, September 28, 2006 - ore 11:11 Teatro dell’assurdo Il teatro dell’assurdo mette in scena nel secodo dopoguerra l’alienazione dell’uomo contemporaneo, la crisi, l’angoscia, la solitudine, la totale impossibilità di ogni comunicazione attraverso situazioni e dialoghi surreali, costituiti da squarci di quotidianità scomposti e rimontati in modo da creare un effetto comico e tragico al tempo stesso. L’azione e, a volte, anche il dialogo sono ridotti al minimo, le vicende sono apparentemente senza senso: in questo modo si scardina ogni convenzione e regola teatrale, si capovolge ogni criterio di verosimiglianza e di realtà. La definizione «teatro dell’assurdo» è stata formulata dal critico Martin Esslin e accomuna autori che, pur svolgendo ciascuno autonomamente e senza influssi reciproci la propria ricerca, danno vita a un corpus di opere omogeneo. I maggiori esponenti sono Eugène Ionesco (La cantatrice calva, 1950; Il rinoceronte, 1959) e Samuel Beckett (Aspettando Godot, 1952; Finale di partita, 1957; Giorni felici, 1961). Strette sono le relazioni con l’esistenzialismo di Sartre, con le avanguardie surrealista (per il teatro, Jarry e il suo Père Ubu) e dadaista. E. Ionesco: La cantatrice calva (1950) La cantatrice calva di Eugène Ionesco, rappresentata a Parigi nel 1950, è il primo esempio di questo modo nuovo di intendere il teatro. La novità assoluta del testo fece sì che all’inizio l’opera fosse accolta con diffidenza; riproposta nel 1955, riscosse un enorme successo, tanto da restare in cartellone per quindici anni consecutivi. In La cantatrice calva i discorsi assolutamente normali e quotidiani dei personaggi dimostrano tutta la loro insensatezza e denunciano l’assenza di una reale intenzione comunicativa, mettendo in evidenza l’alienazione della condizione umana. Da un manuale per l’apprendimento dell’inglese al testo teatrale L’idea della Cantatrice calva fu ispirata all’autore dalla necessità di imparare l’inglese, utilizzando un manuale di conversazione per principianti. Le espressioni di uso più comune, le frasi fatte che vi erano proposte attraverso i dialoghi tra personaggi fittizi e tipicamente inglesi, i coniugi Smith e i loro amici Martin, lo colpirono per la banalità dei contenuti (per esempio: «La settimana ha sette giorni») e il tono perentorio con cui venivano comunicati. « A questo punto» racconta Ionesco con autoironia «ebbi un’illuminazione. Non si trattava più per me di perfezionare la conoscenza della lingua inglese […]. La mia ambizione era divenuta più grande: comunicare ai miei contemporanei la verità essenziale di cui il manuale di conversazione franco-inglese m’aveva reso cosciente. D’altronde i dialoghi degli Smith, dei Martin, degli Smith coi Martin erano di per sé teatro, in quanto il teatro è dialogo. Dovevo dunque scrivere un’opera teatrale». Fin dalle prime battute del testo emergono le caratteristiche esemplari dei dialoghi didattici da manuale: i temi (il cibo, la casa, la salute, l’ora ecc.), le regole grammaticali, le espressioni idiomatiche, gli stereotipi... Il testo teatrale marca e accentua questi aspetti, creando un effetto insieme comico e straniante. Anche il titolo resta insensato: nacque dall’errore di un attore. La dissoluzione della struttura teatrale Nel teatro di Ionesco non c’è approfondimento psicologico dei personaggi. Quello che dicono i protagonisti (i coniugi Smith e i coniugi Martin) resta del tutto in superficie, le battute si accumulano una dietro l’altra per associazioni del tutto esterne o casuali. I loro battibecchi restano freddi e controllati, in quanto i personaggi non si scambiano informazioni utili o opinioni sentite, non hanno niente da dirsi. Alla fine dal non-senso dei dialoghi emergono l’inconsistenza del linguaggio e il vuoto, l’inconsistenza della condizione umana. Ancora Ionesco racconta: « Scrivendo questa commedia (poiché tutto ciò si era trasformato in una specie di commedia o anti-commedia, cioè veramente la parodia di una commedia, una commedia nella commedia) ero sopraffatto da un vero malessere, da un senso di vertigine, di nausea. Ogni tanto ero costretto ad interrompermi e a domandarmi con insistenza quale spirito maligno mi costringesse a continuare a scrivere, andavo a distendermi sul canapè con il terrore di vederlo sprofondare nel nulla; ed io con lui». Il teatro non è più essenzialmente mimesi di un’azione che richiede l’immedesimazione degli spettatori, prevale invece la dimensione del meta-teatro: lo spettatore è spinto a riflettere non solo sulla condizione dell’uomo, ma sul modo stesso di fare teatro. Per Ionesco il teatro deve essere «antitematico, antideologico, antirealistico-socialista, antifilosofico, antipsicologico, antiborghese, […] un teatro libero, ossia liberato, ossia senza pregiudizi, strumento da esplorazione». COMMENTA (0 commenti presenti) PERMALINK |
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